RÉFLEXIONS ANALOGIQUES : Marco Shuttle sur son nouvel album « Cobalt Desert Oasis » – Monument

Le troisième album de Marco Shuttle est sorti le mois dernier via Incienso. Sur le LP, les enregistrements sur le terrain de ses voyages à Singapour, au Mexique et en Thaïlande se mélangent à la synthèse modulaire, aux boîtes à rythmes, aux effets et aux oscillateurs analogiques, ce qui rend parfois difficile de distinguer ce qui est quoi. Sur le plan sonore, il s’inscrit dans la lignée de l’esthétique distinctive de l’artiste italien, telle qu’elle était précédemment publiée sur des labels tels que Spazio disponible ou sa propre empreinte Dossiers étranges, tout en innovant dans des territoires utopiques. Visuellement, Shuttle a également contribué avec ses propres photographies pour la couverture et le livret. Nous l’avons rencontré dans son studio berlinois pour discuter du processus derrière sa dernière sortie, de sa passion pour la photographie analogique et sa fascination pour la batterie, et du rôle de la musique électronique au-delà du contexte des clubs. Tout au long de l’interview, il partage une partie de son travail photographique capturé lors d’une tournée.

Vous avez déjà décrit votre façon de produire de la musique comme une approche « suivez le courant », où vous commencez simplement quelque part, sans jamais savoir où vous pourriez finir. A l’écoute de votre nouvel album, j’ai pourtant l’impression que c’est un univers assez autonome. Comment ou quand avez-vous trouvé la direction esthétique de l’album ?

Ce n’est pas une ligne nette. Jusqu’à présent, les albums n’ont jamais été quelque chose que je prévois. Il se trouve que je fais de la musique d’une certaine manière pendant un certain temps. J’utilise certaines techniques, une certaine ambiance, un certain ensemble d’instruments ou des textures de sons. Ce n’est qu’à la toute fin que j’ai réalisé qu’il s’agissait d’un ensemble de morceaux faisant partie d’un même univers. En ce sens, il s’agit plus d’une procédure inversée que préméditée.

Combien de temps a duré cette période de création récente ?

Par rapport à mes productions précédentes, je n’ai pas fait quelque chose de complètement nouveau. Je viens de pousser un peu plus radicalement vers une certaine direction. Mais il y a trois ans, j’ai décidé de me concentrer sur les enregistrements de terrain et la prise de photographies analogiques partout où j’irais lors de mes voyages, et j’ai commencé à apprendre à jouer du tombak. J’ai donc repris tous ces différents aspects du projet – enregistrements sur le terrain, photographie et batterie – en même temps, et maintenant ils se sont réunis comme un tout un travail.

Photo : Marco Navette

Le tambour joue un rôle assez dominant sur l’album. Qu’est-ce qui vous fascine dans cet instrument ?

Les tambours, en particulier les tambours à main, ont toujours été assez présents dans ma musique – que ce soit en tant que samples ou quelque chose que j’ai fait avec des machines. Je suis sûr d’énoncer quelque chose de très évident ici, mais ce qui m’a fasciné chez eux, c’est qu’ils incarnent cette forme archétypale de techno. Les rythmes répétés des tambours des rituels chamaniques ou tribaux d’il y a des milliers d’années ne sont rien d’autre qu’une ancienne version de ce que nous entendons dans les clubs aujourd’hui. En tant que DJ, j’ai toujours été attiré par les éléments percussifs, d’autant plus si ces éléments sont proches d’un son de batterie original.

Le tombak, le tambour que j’ai principalement utilisé pour cet album, est un tambour traditionnel persan. La raison pour laquelle je l’ai tant utilisé est que je suis un grand fan du joueur et compositeur de tombak et daf Mohamed Reza Mortazavje. Nous jouions ensemble à Terraforma il y a quelques années et sont devenus amis. Quand j’ai découvert qu’il était également basé à Berlin et qu’il donnait des cours, j’ai commencé à apprendre à jouer du tombak avec lui.

Ce qui m’a attiré dans le son de cette batterie, c’est sa large gamme de fréquences – des sons de tom vraiment graves aux rim shots vifs et nets. Entre ces extrêmes tonaux il y a beaucoup de sons différents, ce sont donc les possibilités harmoniques de cette batterie qui me fascinent. Et juste pour être clair : je ne suis pas très doué pour ça. Mais ça s’améliore un peu, donc avec beaucoup de montage, je peux l’utiliser dans mes productions.

La connaissance d’un instrument aussi ancien et traditionnel a-t-elle alimenté votre travail avec votre système modulaire et d’autres machines plus modernes ?

À la base, l’album parle beaucoup du choc des sons électroniques et des sons plus anciens. Éléments folk ainsi que synthèse modulaire, synthétiseurs, boîtes à rythmes et tous les autres instruments et effets classiques que nous avons dans la musique électronique.

Photo : Marco Navette

Souhaitez-vous nous faire découvrir l’une des pistes et nous en dire un peu plus sur ses différents éléments, et comment il s’est construit ?

« Dans les airs » est l’un des morceaux qui illustre assez bien le processus de travail et la synergie de la batterie, des enregistrements sur le terrain et des instruments électroniques. J’ai commencé avec quelques enregistrements de terrain que j’ai faits en Thaïlande. Il y a des oiseaux, de la circulation automobile, des scooters et d’autres bruits de fond. Ensuite, j’ai ajouté une boucle de batterie échantillonnée, au-dessus de laquelle j’ai commencé à jammer avec le tombak. Je suis resté à peu près à l’heure, mais je ne suivais pas un certain schéma. La répétition était donnée par les échantillons, c’était donc la partie fixe de la piste. Avec mes percussions j’ai donné le mouvement et une sensation de désorientation. L’ambiance sous-jacente provenait en grande partie des enregistrements sur le terrain.

Le deuxième morceau de l’album, « Danza de los Voladores », sonne presque comme un ensemble jouant ensemble. Souhaitez-vous parfois faire partie d’un ensemble, ou êtes-vous heureux d’être avant tout un artiste solo ?

Je suis assez solitaire. Faire partie d’un collectif n’a jamais vraiment fonctionné pour moi. La plupart du temps, c’était de ma faute car je n’ai pas vraiment regardé ou ressenti assez de désir pour cela. C’est en partie dû au fait que je n’ai jamais joué en live. Mais comme j’ai commencé à y penser sérieusement, je me rends compte qu’il n’y a pas grand chose à faire avec seulement deux mains. Donc, ce n’est peut-être pas mal de le faire avec quelqu’un d’autre.

Donc, vous n’envisageriez de collaborer avec quelqu’un d’autre qu’à cause de ces limitations physiques ?

Je suis naturellement une personne assez égocentrique. Parfois, traiter avec les gens peut être assez épuisant, et aussi très dommageable. Surtout si vous avez des opinions très tranchées sur ce que vous faites. Je n’aime pas trop changer ce que je fais si quelqu’un me le dit. Donc une partie de mon approche solo est par respect pour ma personnalité. Mais c’est définitivement quelque chose que j’aimerais faire avec le ou les bons partenaires. Surtout maintenant que je découvre davantage les instruments acoustiques.

Photo : Marco Navette

Vous décririez-vous comme très autocritique ?

L’une des raisons pour lesquelles j’ai commencé à faire de la musique et quitté mon ancien travail de designer était que j’avais vraiment envie d’un moyen de m’exprimer, sans dépendre de l’opinion des autres. Si vous travaillez en tant que designer pour une entreprise, toutes vos idées sont filtrées et doivent être approuvées par une série de personnes. En fin de compte, votre idée originale est complètement mutée en quelque chose d’autre. Ce que j’aime dans le fait d’être un producteur de musique électronique, c’est que je n’ai à rendre compte à personne – à part moi-même. Cette approche vous amène forcément à être un peu dur avec vous-même. Vous devez être complètement sûr que ce que vous décidez de présenter va plaire à quelqu’un. Au fil des ans, j’ai appris à comprendre quand je suis sur quelque chose de bien, quelque chose de bien ou quelque chose d’étonnant. C’est une compétence que vous développez, qui consiste à apprendre à lire et à faire confiance à vos réactions émotionnelles à ce que vous faites.

Voudriez-vous nous parler un peu de la partie visuelle de la sortie ?

Cela a fonctionné beaucoup comme ce que j’ai fait avec les enregistrements sur le terrain. J’ai un appareil photo analogique Leica M6 que j’emporte toujours avec moi lorsque je voyage. Faire des enregistrements sur le terrain et prendre des photos est l’occasion de ramener quelque chose à la maison au studio, que ce soit des sons ou des images.

La couverture et le livret de l’album sont des photos que j’ai capturées de cette sorte de paysage islandais extraterrestre. L’Islande est l’un des plus beaux endroits que j’aie jamais vu. Peut-être à certains égards le plus beau. Les enregistrements sur le terrain de l’album sont comme des cartes postales acoustiques d’endroits où je suis allé. J’ai donc pensé que les images étaient un moyen pertinent et naturel de compléter le projet avec une contrepartie visuelle. J’avais un peu peur que cela puisse paraître trop autoréférentiel, que les gens veuillent finalement juste entendre la musique. Mais maintenant, je suis assez content que le visuel et le son soient connectés comme ils le sont.

Quelle est l’histoire derrière le titre de l’album ?

C’est en fait un drôle. Après une tournée aux États-Unis avec le dernier spectacle à Los Angeles, moi, mon agent américain et Erika de Interdimensional Transmissions est allé à Joshua Tree pour une petite retraite et a séjourné dans cette belle maison au milieu du désert. Dans cette partie de la Californie, les gens sont assez spirituels et ésotériques, ils sont sérieux au sujet des extraterrestres et tout ça, et assez souvent les gens donnent des noms à des choses matérielles. Alors cette maison – ou plutôt disons manoir – où nous logions, s’appelait « Cobalt Desert Oasis ». Quand j’ai vu le panneau devant la porte, j’ai pensé que c’était un nom méchant pour un album. J’aime ce qu’il évoque, car au final c’est un non-lieu. ça me rappelle certains Jodorowskien monde – surréaliste et abstrait avec une saveur exotique, ce qui est aussi en fin de compte le sujet de l’album.

Comment voyez-vous la pandémie et l’influence qu’elle a eue sur la scène en général et vous en tant qu’artiste ?

C’est un vaste sujet, mais ce que je peux dire avec certitude, c’est que cela a changé mon point de vue. Cela m’a fait penser qu’il y a quelque chose qui ne va vraiment pas dans cette scène si la seule chose dont elle dépend sont les clubs. Cette musique doit aussi avoir du sens par elle-même.

Cela a également renforcé mon impression que cette industrie subit beaucoup de politique. Alors je me suis promis de ne jamais laisser un club, un label ou un magazine me dire à quel point je suis bon. Cela m’a davantage mis dans cet état d’esprit de « faites juste ce que vous faites, tout le reste est juste – le reste ». Et cela m’a fait penser à la musique électronique en dehors de cette boîte. Il est important qu’on lui trouve une place en dehors des concerts, des spectacles et de la scène club, qui bien sûr sont aussi importants. Mais la musique électronique doit exister et avoir un sens en dehors de ces environnements également.

Cela m’a certainement aussi rendu plus intéressé par une approche d’écoute, pas seulement la partie groove de celle-ci. Mais c’est aussi une question d’âge. Quand on grandit un peu, on est attiré par des expériences musicales plus contemplatives.

Avez-vous l’impression de vieillir?

Disons que je suis moins jeune qu’avant, haha.

Je pense que la pandémie a fait que beaucoup de gens se sentent ainsi.

Avec certitude. Cet écart de près de deux ans – on croise les doigts ça ne va pas être plus long que ça – représente un gros stop. C’est une tranche très pertinente de votre vie au cours de laquelle vous devez arrêter de faire quelque chose qui est si important pour vous comme faire l’expérience de la musique dans les lieux publics. Donc je pense qu’il est très normal de penser qu’il y a une vie avant et après ça. Pour moi, cela a définitivement mis fin à une phase et en a commencé une nouvelle.

A quoi ressemble la nouvelle phase ?

Cela m’a rendu plus confiant que je suis capable de fournir un contenu musical qui fonctionne en dehors d’un environnement de club. Ne laissez pas vos réservations déterminer à quel point vous pensez être bon. La musique elle-même peut aller n’importe où. Il ne s’agit que de vous et de ce que vous voulez faire. Si vous faites quelque chose de bien, cela fonctionnera également en dehors de certains environnements.

J’espère que vous voulez toujours continuer à jouer des disques pour danseurs.

Ne vous méprenez pas. Ce n’est pas que je vide la piste de danse. J’aime jouer de la techno, et j’aime jouer et faire de la musique pour que les gens puissent danser. Je dis juste que ce n’est qu’un des nombreux scénarios possibles que vous pouvez atteindre. Vous pouvez faire beaucoup plus.

Y a-t-il des projets émergents dont vous pouvez déjà parler ?

Actuellement, je réfléchis beaucoup à la façon de faire un set live avec la même approche que j’ai eue lors de la création de cet album, également visuellement. Je ne suis pas intéressé à jouer en direct dans un cadre strictement club, mais certainement avec un élément groove. Idéalement, j’aimerais faire un set où parfois tu danses, parfois tu t’arrêtes pour écouter, donc quelque chose de multiple et d’ouvert.

Je suis curieux!

Moi aussi.

Photo : Marco Navette
Photo : Marco Navette

Vous pouvez trouver l’album ici et découvrez la musique de Marco Shuttle ici.

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